¡Saludos a los amantes del sonido clásico y elegante!
Hoy presentamos dos tonos únicos creados con pizzicato de violín, una técnica en la que el músico pellizca las cuerdas con los dedos en lugar de usar el arco. El resultado es un timbre nítido, brillante y juguetón, muy característico en pasajes rítmicos o de acompañamiento dentro de la música orquestal.
El pizzicato destaca por su naturalidad y su toque percusivo: cada nota parece saltar con vida propia, evocando desde el refinamiento de una orquesta de cámara hasta el encanto de una melodía ligera.
Os hemos preparado 2 Tonos Gratis Exclusivos.
Pizzicato 1
Un tono con carácter cálido y envolvente, donde cada nota rebota suavemente como un toque de seda sobre la cuerda. Ideal para quienes buscan un sonido clásico, elegante y equilibrado, con la dulzura natural del violín.
Más brillante y ágil, con un ataque más marcado que lo hace perfecto para notificaciones rápidas. Suena divertido y chispeante, como una pequeña danza de cuerdas que transmite energía y frescura.
Tras el éxito del cine bélico ambientado en la guerra de Vietnam,sobre todo a comienzos de los años 80 con películas como Apocalypse Now (1979), Rambo (1982), Platoon (1986) o La chaqueta metálica (1987), la acción selvática ha servido de inspiración para muchos videojuegos. Así nacieron shooters que gozaron de mucha popularidad tanto en los salones recreativos como en los ordenadores personales domésticos. Para nosotros, los dos títulos pioneros de este subgnénero fueron: Commando (Arcade, Capcom, 1985) e Ikari Warriors (Arcade, SNK, 1986).
La salida al mercado en mayo de 1985 de la recreativa de Capcom, Commando, supuso un antes y un después en este estilo de videojuegos. Aunque el género no era del todo nuevo, Capcom encontró una adictiva mecánica para atravesar la jungla con una especie de Rambo disparando a diestro y siniestro con en un impecable arcade de scroll vertical. A partir de entonces, todo este tipo de videojuegos, o clones, como aseguran algunos, pasaron a ser denominados como "Tipo Commando". Pero si bien es cierto que Commando definió un género, fue la corporación japonesa SNK la que lo perfeccionó con Ikari Warriors.
Ikari Warriors aportó muchas e importantes novedades. Las más relevantes se refieren al control y a la introducción de un modo cooperativo. Ahora, el jugador puede manejar o cooperar con otro jugador para llevar al coronel Ralf (de colo rojo) o al subteniente Clark (de colo azul) sanos y salvos al pueblo de Ikari. El sistema de control de Ikari Warriors fue el primero en popularizar el uso de joysticks o palancas rotativas en ocho direcciones. Además de nuestros disparos potenciables y nuestras granadas, tanto Ralf como Clark pueden conducir potentes tanques. Entrar dentro de estos carros de combate y calcular nuestros cañonazos, fue y sigue siendo, una auténtica gozada.
Arcade Version
El éxito de la recreativa fue apabullante. Hubo ports o adaptaciones a ordenadores y consolas domésticas de todos los tiempos: Amiga, Atari 2600/7800, Atari ST, Commodore 16/Plus/4/64, MSX, NES, PC, PS3, PSP, Windows, ZX Spectrum y Amstrad CPC. También hubo secuelas como: Ikari Warriors II: Victory Road (1986) y Ikari Warriors III: The Rescue (1989).
Tono 1: Amstrad CPC
Intentar imitar el control rotativo de la recreativa fue algo muy complicado para los sistemas domésticos de videoconsolas y ordenadores, sin embargo, el trabajo de David Shea para el código y la música en el Amstrad CPC distribuido por Elite Systems sigue dejando perplejos a muchos jugadores desde 1987 hasta nuestros días.
Congratulations, has rescatado al coronel Cook! ... Éste es el final del juego. Acto seguido, el juego vuelve a comenzar...
El port de Ikari Warriors a la máquina de Lord Alan Michael Sugar [TRADing] es magnífico, divertido y suena de maravilla gracias a un chip de sonido de 3 canales llamado AY-3-8910 fabricado por General Instruments bajo una licencia deYamaha.
General Instruments AY-3-8910
Si las virtudes del SIDde Commodore son espléndidas, el AY-3-8910 tampoco se queda atrás. Este generador programable de sonidos estuvo presente en otros sistemas de ocio como en las videoconsolasIntellivision y Vectrex o en ordenadores como Apple II, MSX, Oric y las últimas generaciones del ZX-Spectrum.
A continuación, os dejamos con el mítico Ikari Warriors Theme.
La recreativa de Shin Nihon Kikaku (SNK) corría en una placa SNK Alpha-68K que utiliza el chip YM3526 (OPL) para generar sonido FM. Una música marcial y rítmica, con un tono heroico, acorde con la ambientación militar inspirada en Rambo. Algunas fuentes atribuyen este apartado sonoro a Mikio Abe junto a Yoshihiro Sakaguchi.
Como cabía esperar, los temas fueron adaptados en versiones posteriores para Amstrad CPC (como vimos al principio de este artículo), NES, Commodore 64, y ZX Spectrum, con reinterpretaciones en sonido PSG o SID según el sistema.
Para nuestro Tono hemos seleccionado el tema Glory.
El "port" a la videoconsola de Nintento fue distribuido en 1987 por SNK en Japón, y por Data East USA en Estados Unidos. El desarrollo y programación fue obra de Micronics, una empresa japonesa subcontratada por SNK para realizar conversiones domésticas.
Ikari Warrios en NES es una versión "simplificada" debido a las limitaciones técnicas del hardware, sin embargo, conserva el espíritu del arcade original y añade un modo cooperativo simultáneo para dos jugadores que está realmente bien. Todo apunta a que la Banda Sonora fue "recompuesta" por Yoshihiro Sakaguchi [poco después trabajó para Capcom, donde firmó música en juegos como Mega Man, Commando y Ghosts’n Goblins (a veces bajo el alias "Yuukichan’s Papa").
Os dejamos con este loop. No dejará indiferente a nadie cuendo lo escuche como Tono de llamada.
En 1988, el estudio británico Elite Systems desarrolló, adaptó y publicó la versión de Ikari Warriors para el Commodore Amiga bajo licencia oficial de SNK,
Algunas fuentes atirbuyen a Jason C. Brooke como el músico responsable de esta adaptación, mejor dicho, reinvención, del arcade original. Aquí os dejamos con este fragmento ejecutado por Paula, el chip dedicado exclusivamente al audio del Amiga diseñado por Jay Miner y su equipo (los mismos del Atari 2600).
Finalizamos este nostálgico recorrido con Victory Road (1986), la secuela "experimental" de Ikari Warriors. El mismo control, el mismo espíritu, pero con una ambientación fantástica y una Banda sonora más "atmosférica".
SNK volvió a sorprender a los jugadores utilizando el mismo control con el joystick rotatorio del primer Ikari Warriors. Además, fue uno de los primeros arcades de SNK en ofrecer efectos de sonido digitalizados. Un apartado sonoro que fue, probablemente, programado de nuevo por Mikio Abe y Yoshihiro Sakaguchi. En esta ocasión, se utiliza un tono "menos marcial" y mucho más "rockero".
Comprobarlo vosotros mismos con este temazo del nivel 3.
Si te emociona el sonido de una banda de música y el ritmo vibrante de la fiesta española, este tono es para ti. “España cañí”, también conocido como El torero, es uno de los pasodobles más célebres y reconocibles del mundo. Su energía, su elegancia y su sabor castizo lo han convertido en un auténtico símbolo de la cultura popular española.
La pieza fue compuesta por Pascual Marquina Narro (1873–1948), maestro aragonés considerado uno de los grandes autores de pasodobles de la historia. Marquina fue director de bandas militares y compuso más de un centenar de obras, pero ninguna alcanzó la fama universal de España cañí. Su dominio de la instrumentación y su capacidad para reflejar el espíritu español en cada compás son el sello de su estilo.
Argumento e historia
España cañí se estrenó hacia 1923, en plena Edad de Oro del pasodoble. Su nombre, que puede traducirse como “España gitana”, evoca la esencia más folklórica, apasionada y colorida del país. La obra fue concebida para acompañar desfiles, fiestas y corridas de toros, aunque pronto trascendió su origen.
El pasodoble describe, sin palabras, una escena taurina: el desfile inicial, la expectación del público, la elegancia del torero y el clímax de la faena. Su ritmo binario y su melodía contagiosa capturan tanto la solemnidad como la alegría del momento.
Adaptaciones, legado y nuestro Tono
Con el tiempo, España cañí ha sido interpretado por bandas sinfónicas, orquestas, guitarristas flamencos y grupos de jazz, y ha sonado en películas, programas de televisión y eventos deportivos de todo el mundo. Incluso es uno de los temas más populares en el baile latino de pasodoble de competición.
Su inconfundible melodía, llena de fuerza y orgullo, sigue representando ese espíritu español que combina arte, emoción y fiesta. Hoy, más de un siglo después, sigue siendo una de las composiciones más escuchadas y versionadas del repertorio popular español.
Ahora puedes llevar contigo el espíritu del pasodoble más famoso de todos los tiempos. Descarga el Tono de España cañí y deja que su melodía te acompañe cada vez que suene tu móvil: una explosión de arte, orgullo y tradición española en cada nota.
Pascual Marquina Narro nació en Calatayud (Zaragoza) el 16 de mayo de 1873. Desde muy joven mostró un talento excepcional para la música; con apenas doce años, ya tocaba en la banda municipal de su ciudad, donde más tarde llegaría a ser director. Su formación fue principalmente autodidacta, aunque se perfeccionó en armonía y composición durante su etapa en Madrid.
Marquina dedicó buena parte de su vida a la dirección de bandas militares, un entorno que influiría profundamente en su estilo. Fue director de la Banda del Regimiento de Ingenieros de Guadalajara y posteriormente de la Banda del Real Cuerpo de Guardias Alabarderos, una de las formaciones musicales más prestigiosas de la época.
A lo largo de su carrera compuso más de 300 obras, entre marchas militares, zarzuelas, oberturas y pasodobles, pero su nombre quedó ligado para siempre al género que mejor supo elevar: el pasodoble español. Su obra más célebre, España cañí (1923), lo consagró como referente internacional. Sin embargo, también compuso otros pasodobles notables como El abanico, Solera fina o Gallito, cada uno con su propio carácter y elegancia melódica.
Marquina murió en Madrid el 13 de julio de 1948, dejando un legado que aún resuena en plazas, desfiles y escenarios de todo el mundo. Su música representa la unión perfecta entre tradición, emoción y maestría técnica, y sigue siendo una de las más queridas del repertorio popular español.
Mike Oldfield
Punkadiddle
1979
¡Bienvenidas y Bienvenidos a nuestra curiosa Historia del Rock!
Dentro de la historia del Rock progresivo, pocos artistas han tenido tanta influencia como Mike Oldfield, creador del mítico Tubular Bells. En su álbum Platinum (1979), Oldfield exploró nuevos sonidos, combinando guitarras, sintetizadores y percusión en una fusión entre el Rock instrumental y el funk.
El tema Punkadiddle destaca por su ritmo contagioso y su aire irónico, donde el músico británico mezcla la técnica del rock clásico con la energía del punk. Su estructura instrumental y su toque experimental lo convierten en una pieza única dentro de su discografía.
Mike Oldfield: biografía y estilo musical
Mike Oldfield (Reading, Inglaterra, 15/05/1953) es uno de los músicos más innovadores del Rock progresivo y la música instrumental contemporánea. El 1 de enero de 1969, con tan solo 15 años, Mike,junto a su hermana Sally, lanzaron un álbum titulado Children of the Sun (Transatlantic, UK). Este dúo de folk británico se llamaba The Sallyangie.
Children of the Sun contenía (y contiene) un puñado de bellas canciones, con Mike a la guitarra acústica cantando junto a su hermana. Una obra delicada y luminosa de folk psicodélico pastoral, donde la juventud, la espiritualidad y la naturaleza se funden en un tono casi mágico y contemplativo. Quizá algunos podrían vislumbrar un futuro de éxito para The Sallyangie, sin embargo, no hubo más discos...
Cuatro años después, Mike Oldfield lanzaría el inmortal y apabullante Tubular Bells.
Poéticamente, podría decirse que Children of the Sun es la aurora, el instante en que el joven Mike toca la luz por primera vez; Tubular Bells, en cambio, es el mediodía del genio, el momento en que esa luz se expande y lo consume por completo.
Tubular Bells fue el primer lanzamiento del nuevo sello Virgin Records del empresario británico Richard Branson. Se puede decir que su triunfo, literalmente fundó el imperio Virgin, financiando los proyectos futuros de la compañía.
Alcanzó el número uno en varios países y permaneció en las listas británicas durante más de 250 semanas (¡más de 5 años!). Vendió más de 15 millones de copias en todo el mundo, una cifra inaudita para un disco instrumental progresivo. Su tema inicial fue usado en la película The Exorcist de 1973, que ya revisamos aquí hace tiempo, lo que lo convirtió en un fenómeno global y le dio una aura inquietante y mística que lo distinguió aún más.
Desde su "debut" con Tubular Bells (1973), Oldfield se destacó por su capacidad para mezclar estilos tan dispares como el folk celta, el rock sinfónico, el pop o la música electrónica. Multiinstrumentista autodidacta, ha tocado él mismo la mayoría de los instrumentos en sus discos, explorando siempre nuevas texturas sonoras. Su personalidad creativa, perfeccionista y algo introvertida, lo llevó a trabajar de forma casi obsesiva en el estudio, creando obras conceptuales donde la emoción y la técnica se fusionan.
Discografía
1973 – Tubular Bells
1974 – Hergest Ridge
1975 – Ommadawn
1978 – Incantations
1979 – Platinum
1980 – QE2
1982 – Five Miles Out
1983 – Crises
1984 – Discovery
1984 – The Killing Fields
1987 – Islands
1989 – Earth Moving
1990 – Amarok
1991 – Heaven’s Open
1992 – Tubular Bells II
1994 – The Songs of Distant Earth
1996 – Voyager
1998 – Tubular Bells III
1999 – Guitars
1999 – The Millennium Bell
2002 – Tr3s Lunas
2003 – Tubular Bells 2003
2005 – Light + Shade
2008 – Music of the Spheres
2014 – Man on the Rocks
2017 – Return to Ommadawn.
El álbum Platinum (1979)
El disco Platinum marcó una etapa de transición en la carrera de Mike Oldfield. Después de sus complejas suites instrumentales de los años 70, este álbum mostró un enfoque más moderno y accesible. Dividido en varias secciones instrumentales y temas más breves, combina influencias del jazz-rock, el funk y la música electrónica.
Airborn es una versión alternativa del álbum Platinum de Mike Oldfield, lanzado en Estados Unidos en 1980. Es idéntico, salvo que "Woodhenge" se sustituye por "Guilty", un tema en directo de ritmo rápido basado en un tema del doble Lp Incantations (1978).
Grabado entre los estudios Electric Lady (Nueva York) y The Manor (Inglaterra), contó con músicos como Pierre Moerlen (batería), Morris Pert (percusión) y Wendy Roberts (voz). Platinum fue además el primer álbum de Oldfield con su nueva discográfica Virgin, marcando un cambio de sonido hacia lo más rítmico y contemporáneo.
Punkadiddle
Punkadiddle es uno de los temas más singulares del disco Platinum. Es una pieza instrumental con un tono juguetón y paródico, en la que Mike Oldfield combina el espíritu rebelde del punk con su característico virtuosismo técnico. El tema destaca por su ritmo constante de batería, las guitarras eléctricas con un toque satírico y el uso de percusiones y bajo muy marcados. La melodía, construida sobre una base repetitiva, evoluciona con variaciones y capas de sonido que reflejan el humor y la ironía del título: una “broma musical” sobre el punk desde la perspectiva de un músico clásico del Rock progresivo.
A nivel instrumental, Punkadiddle combina guitarras acústicas y eléctricas, bajo, batería y algunos arreglos sintéticos. Su energía, mezcla de folk-rock con guiños al punk, la convierte en una composición rítmica, pegadiza y perfecta para adaptar como Tono de llamada.
Nuestra adaptación conserva el ritmo contagioso y la alegría original del tema, resaltando la melodía principal con un sonido limpio y dinámico. Ideal para los fans de Mike Oldfield y para quienes buscan un tono original, instrumental y con personalidad.
Bienvenido al mundo del country: tonos con el espíritu de las grandes leyendas
La música country nació a comienzos del siglo XX en las zonas rurales del sur de Estados Unidos, fruto de la fusión entre las baladas de origen europeo, los cantos de los inmigrantes y el folclore afroamericano. Con el paso de las décadas se convirtió en un género emblemático de la cultura norteamericana, lleno de historias cotidianas, paisajes abiertos y emociones sinceras.
Entre los instrumentos característicos destacan la guitarra acústica y eléctrica, el banjo, el violín (fiddle), la armónica, el contrabajo y la pedal steel guitar, que aporta ese sonido tan inconfundible y melódico.
La música country no se entiende sin los artistas que marcaron su historia. Desde las raíces con Jimmie Rodgers y The Carter Family, hasta la voz inconfundible de Hank Williams, el sentimiento de Patsy Cline o la rebeldía de Johnny Cash y Willie Nelson, el género se ha nutrido de personalidades únicas.
Figuras como Dolly Parton, Loretta Lynn, George Strait o Reba McEntire llevaron el country a nuevas generaciones, mientras que Garth Brooks y Shania Twain lo llevaron a estadios y al mercado global. Y en la actualidad, artistas como Carrie Underwood, Keith Urban, Kacey Musgraves o Chris Stapleton mantienen vivo el espíritu del country, combinando tradición y modernidad para conquistar a nuevos públicos en todo el mundo.
Con nuestros tonos, podrás llevar contigo la esencia de estos grandes artistas que hicieron del country una música universal, llena de historias, emoción y autenticidad. Hoy te regalamos 4 Tonos Gratis Exclusivos inspirados en la música country, para que cada llamada o notificación suene con la energía alegre, nostálgica y auténtica de este género que ha conquistado al mundo.
Aquí tienes una selección con algunos de los artistas más importantes de la música country, tanto clásicos como contemporáneos:
Pioneros y leyendas clásicas
Jimmie Rodgers – Considerado el "padre del country", activo en los años 20 y 30.
The Carter Family – Familia fundamental en el desarrollo del folk y country.
Hank Williams – Ícono absoluto del country tradicional de los años 40 y 50.
Patsy Cline – Una de las voces femeninas más influyentes en el country.
Johnny Cash – El "Hombre de Negro", símbolo de la autenticidad y rebeldía.
Willie Nelson – Figura clave del movimiento outlaw country.
Dolly Parton – Cantante, compositora y actriz, una de las mayores estrellas del género.
Loretta Lynn – Importante por su visión femenina y canciones autobiográficas.
Merle Haggard – Representante del sonido Bakersfield.
Etapa moderna y neotradicional
George Strait – Apodado "El Rey del Country", muy influyente en los 80 y 90.
Reba McEntire – Una de las reinas del country moderno.
Alan Jackson – Unió el country tradicional con el sonido contemporáneo.
Garth Brooks – Uno de los artistas country más vendidos de la historia.
Shania Twain – Fusionó pop y country, alcanzando fama mundial en los 90.
Country contemporáneo
Keith Urban – Cantautor y guitarrista con gran éxito internacional.
Carrie Underwood – Ganadora de American Idol, voz potente del country actual.
Kacey Musgraves – Innovadora con letras frescas y estilo crossover.
Chris Stapleton – Reconocido por su autenticidad y potente voz soul-country.
Luke Bryan – Uno de los artistas más populares del country mainstream.
Miranda Lambert – Defensora del estilo outlaw en el country moderno.
Clarinete
Instrumentos musicales
2 Tonos
¡Bienvenidas y Bievenidos!
En nuestra colección te invitamos a descubrir los sonidos únicos de los instrumentos musicales más emblemáticos. Cada tono ha sido creado para que tu móvil suene con personalidad y estilo, desde la elegancia de los instrumentos clásicos hasta la energía del jazz y otros géneros.
A través de esta serie, aprenderás un poco de la historia de cada instrumento y podrás descargar tonos exclusivos en distintas versiones: solos, acompañamientos y mezclas modernas. Una forma original de llevar siempre contigo la magia de la música.
El clarinte
El clarinete es un instrumento de viento-madera inventado en Alemania a comienzos del siglo XVIII, a partir del chalumeau. Su sonido cálido y expresivo lo convirtió rápidamente en protagonista de la música clásica y, más tarde, en una de las voces más características del jazz y las big bands. Su versatilidad le permite interpretar desde melodías suaves y melancólicas hasta pasajes brillantes y virtuosos.
2 Tonos de regalo
Hemos elabotado dos tonos gratis bien diferenciados que esperamos sean de vuestro agrado:
Clarinete solo: un fragmento delicado y elegante, perfecto para un tono distinguido.
Clarinete con acompañamiento jazz: un sonido animado y rítmico, ideal para quienes buscan un toque alegre y sofisticado.
El 22 de septiembre de 2025 comienza el Otoño. Exactamente a las 20:19 horas. Y para celebrar el regreso de esta entrañable estación queremos ofreceros un tono muy oportunista: El primer movimiento -Allegro- del Concierto Número 3 en Fa Mayor, Opus 8, RV 293, L'autunno, de Antonio Vivaldi.
Como bien sabéis, el Otoño forma parte de los cuatro conciertos para violín y orquesta: Le quattro stagioni -Las cuatro estaciones- compuestos por Vivaldi entre 1723 y 1725. Según el propio autor el significado de este movimiento viene a ser algo así como: Los campesinos cantan y bailan; la cosecha ha sido buena y se emborrachan con vino...Realmente bucólico...¿verdad?
Nos hemos vuelto a tirar a la piscina para regalaros nuestra adaptación monofónica y retro del fantástico movimiento en formato Mp3 para que podáis usarlo en vuestro Smartphone, teléfono móvil o celular.
Si no os ha convencido esta adaptación o para todos aquellos melómanos que sean más puristas y queráis el tono en formato original, aquí os ofrecemos el Tono Original.
Aquí encontrarás melodías únicas para darle un toque especial a tu móvil. Hoy te traemos uno de los pasodobles más famosos de la historia: El Gato Montés, una obra cargada de tradición y energía.
El pasodoble El Gato Montés es una de las piezas más emblemáticas de la música española y un clásico inconfundible de las fiestas y las corridas de toros. Su ritmo vivo y su melodía inconfundible lo han convertido en un himno popular que, incluso fuera de España, se asocia inmediatamente con la tradición taurina. Ahora puedes disfrutarlo como tono en tu móvil para darle un aire festivo y lleno de energía.
El compositor: Manuel Penella
La obra fue compuesta en 1916 por Manuel Penella Moreno (1880-1939), un prolífico músico y compositor valenciano. Penella destacó especialmente en el género de la zarzuela, donde fusionó tradición popular con una gran riqueza melódica y orquestal.
El Gato Montés nació originalmente como una ópera en tres actos, pero el pasodoble que forma parte de la misma trascendió la obra escénica y se independizó como pieza autónoma, alcanzando una popularidad internacional.
El argumento
La ópera, estrenada, según algunas fuentes, en el Teatro Principal de Valencia en 1917, narra un drama de amor, celos y destino ambientado en la España rural y taurina. La obra cuenta la rivalidad entre el torero Rafael Ruiz y el bandolero Juanillo, el “Gato Montés”, por el amor de una bella gitana llamada Soleá.
Soleá ama en secreto al bandolero Juanillo, pero permanece junto al torero Rafael por gratitud. Los dos hombres se enfrentan en un duelo de navajas por su amor, pero Soleá consigue separarlos. Pocos días después, en una corrida de toros en Sevilla, Rafael muere tras una cogida y Soleá, al verle morir, también fallece de dolor en sus brazos. Desesperado, Juanillo se refugia en la sierra con el cuerpo de Soleá y, sin razón para vivir, ordena que lo maten antes de ser capturado.
El pasodoble dentro de la obra
El pasodoble forma parte de la ópera, concretamente en los momentos relacionados con el ambiente taurino. Es la música que acompaña la entrada de Rafael a la plaza, con un aire solemne, festivo y lleno de energía.
Por su fuerza rítmica y su carácter popular, esta pieza trascendió la ópera para convertirse en un símbolo musical independiente: el pasodoble El Gato Montés. Hoy en día se interpreta habitualmente en plazas de toros, conciertos de bandas y celebraciones, siendo uno de los pasodobles más reconocidos a nivel mundial.
Descarga este Tono Gratis del pasodoble El Gato Montés y lleva contigo un pedacito de historia musical española.
¿Buscas un sonido exótico y diferente para tu móvil? Te traemos 4 Tonos Gratis de sitar, el instrumento tradicional de la India que ha conquistado al mundo con su timbre único y vibrante.
El sitar (सितार) es un instrumento de cuerda pulsada originario del subcontinente indio, con más de 700 años de historia. Alcanzó fama internacional en los años 60 gracias a grandes intérpretes como Ravi Shankar, que lo llevó a los escenarios occidentales e incluso colaboró con grupos como The Beatles.
El sitar se reconoce por su caja de resonancia de calabaza, su mástil largo y sus múltiples cuerdas (generalmente entre 18 y 21). Tiene cuerdas principales y cuerdas simpáticas que vibran por resonancia, creando un sonido profundo, brillante y con un toque espiritual.
Los tonos de sitar destacan por:
Resonancia única que evoca la tradición musical india.
Matices melódicos que se adaptan tanto a la calma como al ritmo.
Sonoridad mística ideal para llamadas, notificaciones o alarmas.
Descarga aquí tus 4 Tonos Gratis de sitar y dale a tu móvil un aire especial.
La música china es un tesoro cultural con más de tres mil años de historia. Su magia radica en el uso de escalas pentatónicas, melodías fluidas y un profundo simbolismo que evoca paz, espiritualidad y conexión con la naturaleza. Escucharla es como abrir una ventana a paisajes de bambú, templos antiguos y lagos tranquilos.
Música China Tradicional: Sonidos de Guzheng y Erhu
En la imagen se observa una ilustración tradicional china que representa a un grupo de músicos interpretando diversos instrumentos antiguos. Los más destacados son:
Guqin o Guzheng – Cítara china de cuerdas tendidas sobre una caja de resonancia, tocada con las manos. El guzheng es un instrumento de cuerda con un sonido cristalino que recuerda al murmullo del agua, mientras que el erhu, con sus dos cuerdas y arco, produce un timbre cálido y melancólico. Juntos forman una de las combinaciones más reconocibles de la música china.
Pipa – Laúd de cuatro cuerdas con mástil corto, que se pulsa con los dedos.
Dizi – Flauta transversal de bambú, muy común en la música tradicional china.
Sheng – Órgano de boca formado por tubos verticales de bambú, que produce acordes y melodías.
Bianqing o campanillas de mano – Pequeña estructura con campanas o placas que se golpean para marcar el ritmo.
Tambor tradicional – Percusión de membrana, tocado con baquetas.
Konghou o arpa china – Arpa tradicional de cuerda pulsada, ya poco común en la actualidad.
Nuestros Tonos
En esta ocasión, te regalamos dos tonos exclusivos inspirados en la tradición musical china, para que tu teléfono no solo suene, sino que transmita calma y distinción.
Descárgalos y convierte cada llamada en un momento especial, con el encanto atemporal de la música china.
Tono 1
Un delicado arreglo que combina instrumentos tradicionales como el guzheng con suaves acompañamientos, ideal para recibir llamadas con un toque relajante y sofisticado.
Nokia 8800: el teléfono de lujo que sigue brillando
En 2005, Nokia sorprendió al mundo con un móvil que no competía por tener la mejor cámara o la memoria más grande, sino por ser un objeto de lujo. El Nokia 8800 se convirtió en símbolo de estatus, deseado por ejecutivos, celebridades y amantes del diseño. Hoy, casi dos décadas después, sigue siendo una pieza de colección muy valorada.
Memoria interna: 50 MB aprox., sin ranura para tarjeta
Batería: 600 mAh (carga diaria con uso intensivo)
Materiales: acero inoxidable y cristal
Peso: 134 g
Diseño: mecanismo deslizante de alta precisión
Sonido: tonos exclusivos compuestos por Ryuichi Sakamoto
Red: GSM 900 / 1800 / 1900
Historia
El Nokia 8800 nació como parte de la línea premium de la marca finlandesa. Su diseño minimalista, con cuerpo de acero inoxidable y mecanismo deslizante suave, estaba inspirado en la ingeniería de los relojes suizos.
No era un teléfono para las masas: se fabricó en cantidades limitadas, y su precio original superaba con facilidad a otros modelos mucho más potentes.
En 2006 llegó la versión Nokia 8800 Sirocco, con líneas más refinadas y ediciones especiales como el Sirocco Gold, bañado en oro de 18 quilates.
Características destacadas
Diseño de lujo: acabados metálicos y sensación sólida al tacto.
Mecanismo deslizante preciso: protegía el teclado y ofrecía una experiencia suave al abrirlo.
Materiales resistentes: acero, cristal y, en algunas versiones, cuero o detalles en oro.
Ediciones limitadas: Sirocco, Arte, Carbon Arte, Gold, y Sapphire.
Tonos exclusivos: creados por el reconocido compositor japonés Ryuichi Sakamoto.
Sobre su precio hoy
El valor del Nokia 8800 en la actualidad depende del modelo y su estado, pero sigue siendo un terminal muy caro. Veamos algunos ejemplos:
Usado, en buen estado: hasta 400 €.
Ediciones especiales (Gold Art, Sapphire, Carbon Arte): de 1.000 € a más de 3.500 USD en subastas.
Sin uso, en caja original: se pagan cifras muy superiores a su precio de lanzamiento.
Unidades desgastadas o sin accesorios: pueden valer apenas 40 USD en sitios de recompra.
Su precio se mantiene alto por la combinación de escasez, materiales premium y valor histórico, convirtiéndolo en una joya para coleccionistas.
Y ahora os dejamos con 22 Tonos de llamada, Notificación, Alarmas o WhatsApp, no solo para recordar este mítico teléfono, sino para utilizarlos en vuestros teléfonos, tablets, ordenadores... o cualquier otro dispositivo capaz de reproducir archivos mp3.
